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Agosto 2020:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Un viaje a los genios

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

De Kant a Kierkegaard, de Rousseau a Schopenhauer, el investigador del instituto de filosofía del CSIC Manuel Fraijó publica veintidós semblanzas de grandes pensadores de la humanidad

“Cuando bebas agua, recuerda las fuentes. Lo enseña un proverbio chino. Manuel Fraijo en la última de las semblanzas de este libro, la dedicada a Karl Rahner, el más importante teólogo católico de la segunda mitad del siglo XX. Fraijó fue su alumno en la Universidad de Münster (Alemania) y los dos son más filósofos que teólogos (qué es la teología —theos logos: palabras sobre Dios— sino una filosofía, un ansia de saber sobre el Todo). Rahner dejó más de cuatro mil títulos, entre libros y artículos, a treinta páginas por día, y todo lo hizo para poner de relieve la dimensión racional, y razonable, de la fe cristiana. Es el gran filósofo de la religión, no siempre amado en el Vaticano, donde suelen preferir lo que Unamuno llamaba, en Agonía del cristianismo, la fe del carbonero.

Bien, al libro. Como le sucedió a Kant cuando recibió por correo el Emilio de Rousseau, empiezas a leer cualquiera de las veintidós semblanzas y ya no puedes parar, hasta tarde en la madrugada, porque van entrelazándose, como las cerezas del cesto, unas con otras, Kant con Rousseau, éste con Voltaire, los dos con Diderot, o con Pascal, con Nietzsche, con Kierkegaard y Schopenhauer, o Spinoza y Leibniz, y no digamos con Descartes, o Giordano Bruno sobre Nicolás de Cusa, o Lutero con todos. Quiero decir: estamos ante un libro sobre los más grandes pensadores de la humanidad. Lo son todos los que están, sin duda; aunque, evidentemente, no están todos los que son (el libro nace de una serie de conferencias que encargaron a Fraijó las fundaciones Politeia y Juan March). Por ejemplo, no está Marx, pese a ser muy citado, pero sí Feuerbach, y no hay ningún español. No digo que fuera merecedor de una semblanza, porque estamos hablando de gigantes del pensamiento, y Ortega nunca creyó serlo, pero sí habría merecido un hueco Unamuno, como lo tuvo en la famosa historia de la literatura europea que escribió en los 60 del siglo pasado el belga Charles Moeller.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Crustáceos capaces de fragmentar microplásticos en trozos más pequeños que unas células

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Varios estudios demuestran que unas especies producen nanoplásticos durante su proceso de digestión. Estas partículas pueden dispersarse por todos los órganos del animal

“Cada año entran en el mar entr5 y 13 millones de toneladas de plástico y se suman a los cinco billones que ya están flotando. Miles y miles de especies marinas tragan fibras de este material contaminante de no más de cinco milímetros mientras nadan o se alimentan. Fue para añadir una pieza más a este panorama que Alicia Mateos Cárdenas, investigadora postdoctoral en la Universidad College Cork, Irlanda), analizó un invertebrado de río, que se parece a una gamba diminuta de unos dos centímetros, llamado Gammarus duebeni. Quería confirmar que también tenía micro plásticos en su organismo, algo que se había demostrado en otros antípodas de aguas marinas de entre 7000 y 10890 metros de profundidad. Se encuentran en todas las especies marinas que se investigan. Están en todas partes”, comenta. Aun así, al diseccionarlo, tuvo una sorpresa: el animal había fragmentado el plástico en trozo minúsculos más pequeños que una célula, los nanoplásticos.

Los resultados publicados este jueves en Scientific Reports concluyen que esta especie, cuyo género está distribuido por todas partes del mundo, es capaz de triturar hasta el 66% del plástico ingerido en tan solo cuatro días. Al hacerlos aún más pequeños, el invertebrado multiplica las capacidades de expansión por su organismo y además, al ser el alimento de peces y aves, la transmisión es inevitable. En general, más alto se encuentra el animal en la cadena alimenticia, más cantidad de plástico se halla en su cuerpo. Los gránulos fecales de estos anfípodos también pueden desplazar estos fragmentos de plástico flotante al fondo marino donde, de nuevo, pueden ser tragados por accidente.

“Que los crustáceos sean capaces de triturar plástico no es algo positivo ni se tiene que ver como una solución”, advierte Mateos, la autora del nuevo estudio. Su equipo vio que el animal era capaz de fragmentar un mayor número de trozos en respuesta a tiempos de exposición más largos y a mayores concentraciones de microplásticos. Además, según cuenta el estudio, la proporción de piezas más pequeñas fue más alta cuando había comida durante el proceso digestivo. Estos matices destacan el papel crucial, todavía poco estudiado, que la biota puede jugar en el destino de los microplásticos en los ecosistemas acuáticos.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Julio 2020:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Más de la mitad de los españoles ingresados por COVID-19 han desarrollado problemas neurológicos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Varios estudios con 3.500 pacientes muestran que el virus está provocando un amplio espectro de anomalías en el sistema nervioso

“El coronavirus ataca al sistema respiratorio sí, pero cada vez hay más pruebas de que, en paralelo, está afectando al sistema nervioso. Una serie de estudios con varios miles de pacientes españoles muestra que la mayoría ha desarrollado al menos un síntoma neurológico. El abanico de manifestaciones es tan amplio que va desde cefaleas hasta estados de coma. Incluso, las afecciones neurológicas fueron la causa principal de la muerte en un porcentaje de casos. Aunque se ha señalado a la respuesta inmunitaria excesiva como causa de estos síntomas, algunos datos apuntan a que el virus estaría atacando directamente al cerebro.

Sociedad Española de Neurología ha recopilado los estudios más recientes realizados en España sobre la conexión entre el coronavirus y el cerebro y todo el sistema nervioso. La muestra es variada, desde investigaciones centradas en la alteración de los sentidos del olfato y el gusto hasta un trabajo sobre las cefaleas sufridas por sanitarios infectados, pasando por el seguimiento a más de 1.600 infectados buscando accidentes cerebrovasculares.

Pero el trabajo de mayor impacto es el llamado registro Albacovid. Se trata del estudio de las manifestaciones neurológicas observadas en una muestra de 841 pacientes ingresados en dos hospitales de Albacete (el universitario de la capital y el de Almansa) en lo peor de la pandemia durante todo el mes de marzo. Sus resultados, publicados en la revista especializada Neurology hace unas semanas, muestran que el 57,4% desarrollaron alguno o varios síntomas neurológicos.

“El espectro neurológico es amplísimo”, dice el jefe del servicio de neurología del Hospital Universitario de Albacete y coautor del estudio Tomás Segura. Entre los síntomas más comunes están la mialgia (dolores musculares de origen nervioso), dolor de cabeza y mareas. Destaca también que casi el 20% de los infectados estudiados presentaron algún trastorno de la conciencia, aunque este síntoma se concentró en pacientes de edad avanzada. Otro 20% de los pacientes (no son grupos excluyentes) desarrolló problemas neuropsiquiátricos, como insomnio, ansiedad o psicosis. “Algunos síntomas, como las mialgias, el insomnio o las cefaleas, no habían sido observados en estudios anteriores”, añade Segura, también profesor de la Universidad de Castilla-La Mancha.

El abanico no se detiene aquí. En porcentajes menores, pero aún significativos (de entre el 1% y el 5% de los casos) los neurólogos han detectado miopatías (enfermedad neuromuscular), disautonomía (una alteración del sistema nervioso autónomo) y enfermedades cerebrovasculares como el ictus. Y ya por debajo del 1% vieron casos de convulsiones, trastornos del movimiento o encefalitis. En una decena de casos, los pacientes entraron en coma. Además, las complicaciones neurológicas supusieron la causa principal de la muerte en el 4% de los fallecidos por coronavirus.

“Del registro Albacovid se desprende que las manifestaciones neurológicas son más comunes de lo que se pensaba en pacientes hospitalizados con covid-19″, sostiene el presidente de la SEN, el doctor José Miguel Lainez. “Además, el hecho de que para la realización de este registro se haya contado con un mayor número de pacientes, respecto a otros estudios que se han llevado a cabo en otros países, nos hace pensar que los datos de este registro son los más aproximados, o al menos en lo relativo a la población española”, añade.

Otro amplio estudio, esta vez con 909 pacientes de Madrid, mostró cómo la alteración o pérdida de los sentidos del gusto y el olfato se presentan de forma simultánea en el 90% de los casos. En la mayoría de ellos las alteraciones fueron la única manifestación clínica o iban acompañadas de otra sintomatología leve. Otras infecciones víricas, como las provocadas por la gripe, rinovirus o parainfluenza, también provocan estos trastornos, pero se señalaba a la propia congestión nasal y el moco como agentes causantes. Aquí, más de la mitad de los afectados no presentaban tal congestión. Así que no se descarta la acción directa del coronavirus sobre el sistema nervioso central.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Yo, Ennio Morricone, he muerto”

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Italia despide emocionada al compositor, que dejó una carta de adiós a sus amigos y pidió un funeral privado

“Yo,Ennio Morricone, he muerto”, escribió en una carta el genial compositor italiano, fallecido este lunes a los 91 años, para despedirse de sus amigos y de su familia. Tiempo antes de sufrir el accidente doméstico que le costó la vida, el maestro decidió redactar una curiosa misiva con algunas palabras de adiós y de amor, que su abogado leyó en público, por una razón: quería irse sin hacer ruido. “Lo anuncio a todos los amigos que siempre han estado cerca de mí y también a aquellos que están un poco lejos, a los que saludo con gran afecto […]. No quiero molestar a nadie”, lo resumió él mismo. También por este motivo, siguiendo su voluntad, el funeral será privado.

Italia ha despedido con gratitud y afecto a uno de sus artistas más queridos y seguidos, dentro y fuera de sus fronteras, y que conquistó la meca del cine sin moverse de su adorada Roma. Las principales autoridades y representantes políticos del país, y exponentes del mundo de la música y del arte han rememorado al multipremiado maestro como “orgullo nacional” o “genio universal” que firmó una obra que ya es “patrimonio de la humanidad”. Y han recordado su incalculable legado, una pieza esencial en la historia musical del siglo XX.

El presidente de la República, Sergio Mattarella, ha lamentado la desaparición del legendario compositor que con sus bandas sonoras contribuyó a “reforzar y difundir enormemente el prestigio de Italia en el mundo”. El primer ministro, Giuseppe Conte, ha expresado también su “infinita gratitud” al maestro y ha recordado su herencia: “Nos hizo soñar, emocionarnos, reflexionar, escribiendo notas memorables que quedarán indelebles en la historia de la música y del cine”. El ministro de Cultura, Dario Franceschini, ha señalado que su pérdida marca un día triste para la cultura: “Nos deja uno de los grandes maestros italianos, un músico de refinada habilidad que con sus melodías ha sabido emocionar y hacer soñar al mundo entero, que ha reconocido su labor con los más importantes premios y distinciones”.

El productor de cine Aurelio de Laurentiis ha lamentado que con Morricone “se va una parte del cine mundial” y “un testimonio de cómo los italianos pueden ser protagonistas en todas partes”. “Su humildad, combinada con una grandeza nunca ostentosa, le ha permitido apoyar películas pequeñas y muy grandes, otorgándoles un alma única que las ha hecho inolvidables y perfectas”, ha apuntado. Y ha calificado su música como “un vínculo universal capaz de unir a todos en un abrazo global de amor”.

El director Marcó Bellocchio, que trabajó con el genio en varias ocasiones, como en Con los puños en el bolsillo (1965) o China está cerca (1967), ha señalado que “como sucede con los grandes compositores, su música es inmediatamente reconocible”. Y ha destacado que el desaparecido maestro “era alguien que sabía cómo ser él mismo aunque tocara temas muy diferentes”. “Su historia musical es inmensa y nadie podrá repetirla”, ha añadido.

El escritor y director artístico de la Fiesta del Cine de Roma, Antonio Monda, autor de un libro de conversaciones con el compositor, lo ha evocado como un genio “insustituible” y uno de los mayores artistas de la historia del cine y de la música. “Trabajando con él, descubrí sus grandes habilidades en el ajedrez, su pasión por la Roma [era un ávido fanático del fútbol] y el orgullo de ser romano. Estaba profundamente arraigado en sus raíces, incluso cuando su extraordinario éxito lo llevó por todo el mundo”, ha señalado en el diario La Repubblica. Su añorado equipo de fútbol se ha despedido con una foto en las redes sociales en las que se leía: “Gracias por todo, maestro”. Y también la alcaldesa de la capital, Virginia Raggi, expresó su dolor: “Su ciudad llora hoy la pérdida de un artista muy amado”.

El actor y director Carlo Verdone, para quien Morricone compuso la música de sus dos primeros largometrajes, Spaghetti (Un Sacco bello) (1980) y Bianco, rosso e Verdone (1981), también ha lamentado la pérdida del músico. “Será inmoral por su inigualable talento que lo llevó a exaltar cualquier película”, ha dicho.

La actriz Monica Bellucci, protagonista de Malena (2000), de Giuseppe Tornatore, que a menudo ha recurrido a la música de su gran amigo Morricone para sus obras, también ha llorado la pérdida del alabado autor de más de 500 bandas sonoras: “Hay personas que tienen la capacidad de hacer el mundo mejor porque saben crear belleza. Ennio Morricone, con su música, nos hace elevarnos hacia algo alto, que necesitamos tanto para poder volver a creer en la nobleza del alma”. El director de orquesta y también Premio Príncipe de Asturias 2011, Ricardo Muti, lo ha recordado como “un músico extraordinario no solo para la música del cine sino también para las composiciones clásicas”.

El cardenal Gianfranco Ravasi, una especie de ministro de Cultura del Vaticano, también ha despedido al compositor. “Lo encomiendo a Dios para que lo acoja en la armonía celestial, quizás asignándole la tarea de alguna partitura para ser interpretada por los coros angelicales”, ha señalado en sus redes. En 2019, Morricone recibió la Medalla de oro del Pontificado de Francisco por “su extraordinario compromiso con la música que también ha tenido aspectos de naturaleza religiosa”.

El escritor Roberto Saviano también ha dado su adiós “al genio que creó con sus notas la épica en el mundo moderno”. Roberto Fico, el presidente de la Cámara de los diputados, ha dedicado un homenaje al compositor: “Se va un auténtico monumento de nuestra cultura, un orgullo para nuestro país, un compositor que ha hecho historia en el cine mundial, que nos ha hecho emocionarnos, soñar, conmovernos como pocos otros”. El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Lo que el arte enseña sobre la desigualdad de género

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Las mujeres han aparecido en los cuadros a lo largo de la historia enmarcadas en determinados tipos: el ángel del hogar, la ‘fem fatal’ o las mujeres ociosas de las clases altas

“Las representaciones de las mujeres en la pintura, desde la Antigüedad, han tenido que ver con su papel en la sociedad. A lo largo de la historia, las mujeres han aparecido en los cuadros enmarcadas en determinados tipos: el ángel del hogar (buena madre y esposa), la fem fatal (mujer seductora y malvada), las mujeres ociosas (de clase alta), la mujer moderna (en los albores del siglo XX, conduciendo o fumando como algo anecdótico), etc.

Esas imágenes de las mujeres se han perpetuado hasta llegar a nuestros días. Ahora, vemos esos prototipos en la publicidad, las series, el cine o los videoclips. No lo sabemos, pero no inventamos nada nuevo en ellos, sino que arrastramos el peso de una historia visual y literaria milenaria.

La historia del arte estudia esta transmisión de las imágenes a través del método i cono gráfico que varios expertos desarrollaron desde finales del siglo XIX.

Este método analiza las obras de arte desde los símbolos que aparecen en las obras, qué significados se les otorga en cada época y lugar, y cómo evolucionan. Aplicar el método nos permite entender cómo se han ido construyendo los estereotipos en torno al género. Una de las muchas cuestiones que pueden estudiarse son las imágenes relacionadas con la sensualidad y el erotismo.

Es difícil saber desde qué momento el ser humano comenzó a representar la sensualidad en el arte. Lo cierto es que encontramos escenas de sexo explícito en todas las culturas desde la Antigüedad.

El baño, provocación o intimidad violentada

Un caso interesante es el de la mujer que está tomando un baño y es violentada. Lo encontramos en un mito de la antigüedad como es el de Artemisa (la diosa Diana en la mitología romana) y Acteón, muy representado durante la Edad Moderna por pintores.

El mito, narrado por Ovidio, cuenta que Artemisa, mientras tomaba un baño en el río, sorprendió al cazador Acteón observándola. Como castigo, la diosa lo convirtió en un venado para que fuera apresado por sus propios perros. Sin embargo, el momento que eligen los pintores no es ese, sino el instante en el que el hombre observa a la diosa. Esta escena se repite en la obra literaria los siete infantes De Lara, aunque sin apenas representaciones plásticas.

Encontramos un episodio de la Biblia muy similar: Susana y los viejos, historia muy representada en la pintura. Susana, una mujer casada, es observada por dos viejos jueces mientras toma un baño. Al rechazar sus proposiciones, es acusada de adulterio falsamente.

Gracias a la intercesión de Dios, los viejos terminan siendo castigados. Con todo, de nuevo el instante que plasma tradicionalmente la pintura es cuando ella es observada, no la del castigo ejemplarizante. La imagen de Susana aparece como prototipo de lo erótico y no como la encarnación de una violación.

Solo en la obra de Gentileschi, una pintora barroca italiana, la situación parece más violenta que sensual. La restauradora y artista estadounidense contemporánea aprovechó esta visión de Gentileschi para realizar una de sus “lecturas alternativas”: su copia del cuadro incluía una primera versión, recuperada con una radiografía, en la que Susana aparece sujetando un cuchillo para defenderse y con el rostro contorsionado por el horror. Con su propuesta, Gilje simulaba una primera versión de Gentileschi que en realidad nunca existió. Además, en la radiografía el personaje violado no es Susana, sino la propia Gentileschi, violada en la vida real por Agostina Tassi.”El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El día en que Dalí se vistió de almirante para recibir a Franco

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Los diarios inéditos del coleccionista Reynolds Morse desvelan los plantones del dictador al artista, que se prestó a apuntalar la imagen modernizadora del régimen

“Los diarios inéditos del coleccionista Morse, inéditos hasta para los biógrafos de Salvador Dalí, aportan nueva luz sobre las relaciones personales entre el pintor catalán y Francisco Franco. En los años sesenta, Morse, que tenía por costumbre anotar sus conversaciones con el artista, le preguntó si temía, en caso de que en España triunfara una revolución y Franco muriera, ser uno de los primeros fusilados. “Sí”, contestó, “igual que los campesinos ignorantes habían matado a Lorca(…). Su muerte fue una tragedia. Tuvo un affaire con un chico en un pueblo y las gentes se pusieron coléricas y le fusilaron”. “Yo estoy absolutamente seguro de que si no me hubiera ido de España antes de la guerra, ahora estaría muerto”, le confesó otro día a Morse, dedicado comprador de la obra del pintor, cuya colección nutre el Salvador Dalí Museum, en St. Petersburg (Florida).

El franquismo pagó con honores, halagos y exposiciones la colaboración activa del artista, que regresó de EE UU a España en 1948, pero a este le faltaba el reconocimiento personal de Franco, que le dio dos plantones y le hizo esperar ocho años, hasta 1956, como demuestran los diarios de Morse, conservados en los Archives of American Art del Smithsonian, y a pesar de todas sus alabanzas: “Soy el símbolo que muestra la tolerancia de Franco”, le dijo Dalí.

La elección de su pintura clásica La cesta de pan como imagen para el plan Marshall, gracias a la portada de febrero de 1948 de The Week Magazine, revista con una difusión de 15 millones de ejemplares, mostraba a Dalí como un pintor virtuoso que, amparado en el cliché que asocia genialidad con locura, podía compensar su vida escandalosa en un momento en que la administración Truman veía a Franco como dique ante el comunismo. Eso ayudó a preparar su retorno a España.

Según relató a Morse, en 1955, con el yate Azor del dictador fondeado en la bahía de Cadaqués, Dalí recibió a un emisario que le anunció la inminente visita de Franco. En las colinas se vieron policías. El pintor se afeitó y, entusiasmado, se aprestó a vestirse con sus mejores galas: un llamativo uniforme blanco de almirante.

Dalí esperó en vano todo el día a la comitiva. Al día siguiente, llegó el mismo emisario con el mismo anuncio. El artista repitió el ritual, aguardando con su pomposa vestimenta la llegada de Franco, que nunca se produjo. Al tercer día, nuevo aviso con el mismo mensaje. Esta vez, Dalí ya no hizo ningún preparativo ni se engalanó y, efectivamente, el dictador no hizo acto de presencia. Franco solía visitar la zona para encontrarse con el influyente empresario falangista Miguel Mateu, uno de sus asesores más estrechos, dueño del castillo de Peralada y de una casa en la cercana Garbet.

En 1956 hubo un segundo plantón. “Dalí”, siempre según relato de Morse, “emprendió un largo viaje a Madrid para ver a Franco, esperando ansiosamente día tras día la confirmación de una audiencia que no llegaba. Dalí [acompañado de Gala], estaba impaciente para volver a Port Lligat y seguir pintando, así que al cabo de tres días volvieron a Port Lligat. Tan pronto como llegaron y, apenas instalados, llegó un telegrama notificando que Franco les recibiría. Se desplazaron rápidamente a Barcelona para coger el tren, pues a Dalí no le gustaba volar”. La reunión tuvo lugar en El Pardo el 6 de junio. Fue primera de sus cinco entrevistas.

Dalí le contó a Morse que Franco le había parecido “muy inteligente e interesado en el arte” y le elogió por haber creado “una monarquía con la misma genialidad con la que Velázquez había creado Las meninas”. “Franco rió un poco, rechazando modestamente el genio que Dalí le atribuía, pero lo importante es que la idea de la monarquía quedó plantada en la mente de Franco, pues España tendría que restaurar la monarquía, con Franco como jefe de los ejércitos”, escribió Morse.

Morse recordaría toda su vida la mañana de marzo de 1958 en que sonó el teléfono de su casa en Denver y oyó la voz furiosa de Dalí al otro lado de la línea. El coleccionista había escrito un artículo sobre Dalí en la revista Art in America en el que decía que su pintura religiosa obedecía al intento de estar a bien con Franco. “Nunca he pintado para agradar a nadie, sólo a mí mismo. ¡Eres un don nadie! ¡Un mequetrefe!”, vociferaba el artista. “El curso de los acontecimientos me ha llevado del anarquismo al conservadurismo, del ateísmo sacrílego al más grande mundo místico. Yo soy el mismo que cuando era joven, lo que ha cambiado es el mundo: la Guerra Civil y la bomba atómica”.

Monumental enfado

El monumental enfado del pintor no obedecía solo a que Morse cuestionaba su falta de inspiración o de autonomía artística, sino a que dinamitaba su pacto tácito con Franco. Dalí y su pintura histórica y religiosa eran el ejemplo que el régimen exponía en el exterior para contrarrestar a Picasso, exiliado en París, y a Miró, que callaba sin ocultar su antifranquismo retirado en Mallorca.

Franco se entrevistó con Dalí al menos cuatro veces más. El pintor contó a Morse detalles del encuentro mantenido en el castillo de Peralada en 1970. “Primero llegó un helicóptero, después soldados con fusiles, luego dos limusinas. De una de ellas salió tambaleante un pequeño anciano que tenía a todo el mundo bajo su control”, y aún así, escribe Morse, “se negó a hacer la siesta cuando todos estaban exhaustos”. A Dalí le maravilló la energía que demostraba una figura tan frágil. “Tiene que ser un místico”, dijo.

Allí mismo, el pintor hizo un rápido retrato de la esposa de Franco, Carmen Polo, y aceptó pintar otro de su nieta. Dalí buscaría la intervención del dictador para obtener apoyo incluso financiero de sus lienzos de exaltación mística y patriótica y para la construcción del Teatro Museo de Figueres, que vendió como contrapunto a la apertura del Museo Picasso de Barcelona y como foco de atracción turística.

Dalí, que se creía muy superior a Picasso y Miró, se entregó con entusiasmo a sacar rédito de su colaboración con una dictadura necesitada de emplear la cultura como campaña de imagen ante las democracias occidentales. Durante la inauguración de la I Bienal de Arte Hispanoamericano de 1951 hay una foto en la que se ve a Franco, vestido de uniforme militar, riendo. Tàpies contaba que la imagen capta el momento en que el dictador fue informado de que se hallaba en “la sala de los artistas revolucionarios”, a lo que este respondió: “¡Ah, bueno, mientras hagan la revolución así…!”. El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

junio 2020:

 

 

 

 

 

 

 

Artemisia Gentileschi, de pintora olvidada a icono feminista

 

 

 

 

 

Su regreso a las salas del Prado, la reedición de la novela que le dedicó la historiadora Anna Banti y la exposición que prepara la National Gallery recuerdan la fascinación que la gran artista barroca sigue ejerciendo en nuestro tiempo

“Nacida en un país marcado desde antiguo por grandes figuras de la pintura, que no le hacen sombra, se ha convertido desde el último tercio del siglo XX y hasta nuestros días en una artista mediática, sobre todo por la corriente feminista de la historia del arte, que la ha presentado como una víctima de los hombres y cuyo arte surgiría, freudianamente, como venganza ante la violencia ejercida contra ella en su adolescencia. Es la única mujer artista de la cultura occidental que ha suscitado el interés de novelistas y cineastas, y han sido varias las obras que han tratado de su vida, más que de su arte, intentando encontrar respuestas al misterio que sigue encarnando la pintora en la actualidad.

Mucho después de la publicación en italiano, en 1947, de la conocida novela de Anna Banti dedicada a la artista —que tituló, con sencillez, Artemisia—, Periférica reedita ahora la obra en castellano, sin duda por el efecto llamada que tiene en nuestros días la proyección de la mujer. Conocí a Banti cuando yo tenía 22 años y era becaria del primer grupo de jóvenes, tres chicos y tres chicas, que, habiendo estudiado Historia del Arte en varios países europeos y en Estados Unidos, queríamos avanzar en nuestras investigaciones sobre el arte italiano. La Fundación Roberto Longhi, creada por el importante historiador italiano del arte y marido de la escritora, ella también historiadora del arte, iniciaba su camino tras la muerte de este, con sede en la Villa il Tasso, a las afueras de Florencia.

Un día, cuando estudiaba en la biblioteca, me llamó Anna Banti, es decir Lucia Lopresti, vedova Longhi, a su casa. Vestía de negro, el rostro surcado por infinitas arrugas, la voz grave, seria y de mirada profunda, hacia dentro, pero escudriñadora, hacia fuera, hacia mí. Yo estaba sentada en una silla más baja, donde ella me había colocado, y su mirada iba de arriba abajo, pero no me intimidó; sobre una mesa redonda, a su lado, había un gran jarrón de flores y encima, detrás y muy cerca, colgaba en el muro el cuadro de Caravaggio Joven mordido por una lagartija, que inesperadamente surge de las flores de un jarrón de cristal. Longhi había sido el gran descubridor moderno del artista y tenía uno de los cuadros más misteriosos de aquel, desde el que su bello protagonista, como Banti, me miraba también a mí, como si me avisara del peligro de meter el dedo en el jarrón de flores de su dueña. La presencia y el magnetismo del cuadro me impiden recordar hoy la conversación con la escritora. De todas formas, nunca me quedó claro lo que quería de mí.

En 1917, unos años antes de casarse con su brillante alumna, Longhi había escrito el primer artículo moderno, que redescubría y valoraba modernamente a la artista como figura de interés en la órbita de los caravaggistas. Artemisia Gentileschi, aún niña, había tenido que conocer en directo a Caravaggio, muy amigo de su padre, Orazio, y lo sabemos porque un día aquel fue a buscar en el taller de este unas grandes alas de ángel, que debió de utilizar para alguno de los suyos, y me gusta pensar que fueron las de su desvergonzado y tentador Cupido adolescente de Amor vincit omnia, que pintó, completamente desnudo, en 1602, cuando Artemisia tenía nueve años. En 1606, Caravaggio dejaba Roma tras el juicio por haber matado a un hombre en una reyerta callejera. Tal vez el artista pasó la mano por los cabellos de la pequeña Artemisia en sus visitas al taller de Orazio, como se hace con los niños de amigos, y la pequeña, viva e inteligente, debía de estar muy atenta a lo que ocurría a su alrededor, como lo estuvo el resto de su vida.

Tras la muerte de su madre cuando ella tenía 12 años, Gentileschi organizó para su hija los cuidados femeninos de una vecina casada, Tucia, como era costumbre entonces, pero, junto a ella, la adolescente Artemisia tenía a su alrededor la vida cotidiana del atareado taller, situado en una de las zonas más populares del centro de Roma, cuya vida en ese periodo ha quedado reflejada con agudeza por Montaigne, en sus recuerdos del viaje por Italia, entre 1580 y 1581, en que describía la violencia inaudita de las ejecuciones públicas, los muchos mendigos, las procesiones y carnavales, las carreras de caballos, el tráfico de los poderosos en sus carrozas, el paseo constante y sin rumbo de los romanos por las callejuelas de la ciudad, y las numerosas cortesanas en los balcones (hay que recordar que el gran cuadro de Caravaggio Muerte de la Virgen para el Vaticano, hoy en el Louvre, fue retirado del altar porque la modelo para pintar a la Virgen fue una reconocida prostituta). Era el mundo en que vivía Artemisia, en que había normas de moralidad regidas por la Iglesia, pero en que la sociedad tenía rendijas de libertad por las que corrían, como siempre, las pasiones, el engaño, los intereses y la violencia. Orazio Gentileschi, como pintor de éxito, encaminó a sus hijos por sus mismos derroteros, pero no consiguió que los tres varones, que formó en su taller con Artemisia, llegaran a algo más que a discretos ayudantes.

El arte no es un privilegio familiar, pero esa “chispa divina” que tenía Orazio sí la recibió, y con creces, Artemisia. A los 17 años, en 1610, la pintora revelaba ya una personalidad diferente a la de aquel, un mundo distinto en la expresión de los “afectos del alma”, que constituían la novedad máxima en el arte del siglo XVII, y que aparece en su primera obra, Susana y los viejos (palacio de Weissenstein, Pommersfelden). Su preparación técnica, a los 17 años, era notable, y había tomado los pinceles desde niña, ya que domina con efectividad el óleo, el colorido y la luz, y revela asimismo su dominio del dibujo. Era este una práctica imprescindible para representar una figura, sus proporciones, su anatomía y el movimiento, así como la naturalidad y belleza de los ropajes y de sus plegados, o la perfección, intensidad y variaciones de las fisonomías. Por otra parte, salta a la vista que Artemisia había copiado del natural, como cualquier aprendiz del siglo XVII. En Italia eso no era difícil, como sí lo era en España, por un temor desmedido al pecado por contar con modelos desnudos —que muchas veces eran los jóvenes ayudantes de un taller, como en el Cupido de Caravaggio, seguramente su sirviente Cecco— o asistir a las accademie di nudo,donde los artistas se reunían por las noches para copiar del natural bajo la iluminación de las velas, que marcaban mejor la anatomía de los modelos.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Los escritos de Goya en sus dibujos: intencionados, literarios y muy misteriosos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El artista acompaña muchos de sus grabados y dibujos de textos cargados de intención que complementan las imágenes. El valor de estos escritos aún está por descubrir

““Verde que te quiero verde…”.
“El sueño de la razón produce monstruos”.
“Muero porque no muero…”.
“Poderoso caballero es don Dinero…”.

Cuatro frases de las que no hace falta nombrar al autor o autora. Forman parte del imaginario colectivo español. Llevan a Lorca, Goya, santa Teresa y Quevedo sin hacer esfuerzo. Uno de ellos no es escritor y, sin embargo, con su aforismo sobre el sueño de la razón, Goya (Fuendetodos, Zaragoza, 1746 – Burdeos, 1828) resume y refleja su época. Un autor de sentencias cargadas de contenido.

Un trazo que esta vez va en forma de texto y no de pincelada. Verbaliza una idea. José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas del Museo del Prado y comisario Goya. Dibujos solo la voluntad me sobra ( en la. pinacoteca hasta el 16 de febrero), reconoce que aún no se ha analizado con profundidad el valor literario, de síntesis y con una clara intención de los escritos del pintor. No hay un estudio general que se ocupe de lo que pretendía con ellos. Se han tratado de forma parcial, sobre todo las series de estampas, pero no así los que acompañan a los dibujos. Afirma el experto que todavía quedan muchos asuntos pendientes en Goya. Pero de este, en concreto, se van a ocupar en el futuro catálogo razonado: “A través de una colaboradora, una investigadora, vamos a profundizar en la etimología y la procedencia de estas frases sobre todo lo que tenga que ver con la época de los Caprichos y del Cuaderno B [1795-1797]”, explica.

Sus cartas sí están analizadas. Las que escribe a su amigo de la infancia Martín Zapater retratan al Goya menos artista, al más personal. En la caligrafía del pintor se pueden leer sus pensamientos, intereses, logros y las noticias que le da al compañero que dejó en Zaragoza y al que permanece unido por sus raíces, sus círculos de amigos y familiares. Utiliza un lenguaje lleno de modismos aragoneses que nunca abandonó –tampoco en los textos de los dibujos– así como expresiones ya desaparecidas y de gran popularidad en el habla coloquial del siglo XVIII.

Pero las inscripciones que acompañan a sus estampas y dibujos no están investigadas. Un poco más las de los Caprichos, el Cuaderno B o de Bordes Negros y los dos álbumes de Burdeos (G y H). La imagen es inherente al texto, todas van acompañadas de estas sentencias que la redondean, la explican, la rematan o le añaden ambigüedad. Las crea a la par. Son libros de ideas representadas tanto por escrito como por líneas de dibujo. En otros casos, como el Cuaderno C, los textos pueden ser añadidos posteriores o incluso no existir –hay que tener en cuenta que muchos son preparatorios; en estos se añade en la plancha del grabado–. Los epigramas funcionan igual que la  parte gráfica, en ellos expresa sus preocupaciones e intereses: la muerte, la situación de las mujeres, la violencia, la guerra, los marginados, la vejez… En resumen, la condición humana y los acontecimientos políticos, sociales y económicos que la rodean.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El Festival de Granada, la primera gran cita musical que se celebrará en la ‘nueva normalidad’ “contra viento y marea”

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“La 69ª edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada se celebrará en la ciudad andaluza “contra viento y marea”, según ha anunciado este miércoles su director artístico, Antonio Moral, en una comparecencia telemática. De esta forma, la cita musical granadina se convierte en la primera que tendrá lugar en España (“y en Europa”, ha aventurado Moral) dentro de la “nueva normalidad” provocada por el Covid-19.

Moral, quien este año se ha hecho cargo de la cita tras dos ediciones con Pablo Hera Casado al frente, ha explicado que el nuevo programa del festival, adaptado a la situación actual, se presentará “en los próximos días” con las modificaciones pertinentes respecto al que dio a conocer el pasado 9 de marzo, 72 horas antes de la instauración en España del estado de alarma por la pandemia.

Sin querer adelantar el grueso de esa programación, Moral, sí que ha avanzado una modificación de fechas (ahora tendrá lugar del 9 al 25 de julio) y la celebración de un concierto especial inaugural. Será el 25 de junio, en la Catedral de Granada, a cargo de la Orquesta y Coro Ciudad de Granada, bajo la dirección de Andrea Marcon, que interpretarán el ‘Requiem’ de Mozart a beneficio de Cáritas y el Banco de alimentos de Granada.

Además, el 9 de julio se concederá la Medalla del Festival de Granada “a la sanidad española”, representada en los facultativos de la ciudad, por su trabajo contra los estragos del coronavirus. Ese mismo día tendrá lugar la primera de las dos sesiones de la ‘Novena sinfonía’ de Beethoven, también a cargo de la Orquesta Ciudad de Granada, esta vez bajo la batuta de Miguel Ángel Gómez-Martínez. Una actuación con un formato mucho más reducido (en un primer momento se contemplaba la posibilidad de contar con hasta 300 integrantes en el coro) y adaptado a las directrices de las autoridades sanitarias.

Porque, como ha recalcado Moral, todas las actuaciones dependen de un escenario muy concreto: que para las fechas previstas Granada esté en Fase 3, lo cual permite los espectáculos al aire libre siempre y cuando no se supere el 50% del aforo y que éste no exceda las 800 personas. Los escenarios habituales del festival (el Palacio de Carlos V de la Alhambra o los Jardines del Generalife), permiten tal circunstancia.

Igualmente, Moral ha subrayado el entendimiento con el Ministerio de Cultura a través del Instituto de las Artes Escénicas y de la Musica (INAEM). “Fueron ellos los que nos pidieron que se celebrase el festival”, ha resaltado, en referencia a su importancia para los músicos y cantantes españoles.” El Mundo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

mayo 2020:

 

 

 

 

 

 

 

Los museos entran en la fase 1: mañana abre el Centro Botín de Santander; los demás, “ya veremos”

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Entrar mañana en el Centro Botín de Santander será la primera actividad cultural presencial permitida en España desde mitad de marzo. Cantabria ha entrado en la fase uno del desconfinamiento y el museo diseñado por Renzo Piano abrirá sus puertas a la primera oportunidad. “Fue la decisión del presidente de la fundación, Javier Botín, y el resultado del trabajo que hemos hecho este tiempo para que la experiencia de la visita sea lo más cómoda posible dentro de las nuevas demandas de seguridad”, explica Íñigo Sainz de Miera, director del centro.

¿Qué será diferente para los visitantes del centro? “Hemos cambiado la circulación dentro del edificio. Ahora hay una escalera para subir y otra para bajar, de modo que nadie se cruzará por el camino. La clásica cortina que aísla la sala de vídeo ha desaparecido, igual que los folletos y el material didáctico disponible. Hay mamparas en las taquillas, dispensadores de hidrogel y mascarillas y hay marcas en el suelo para que las colas esté ordenadas… Pero creo que la experiencia de ir a una exposición va a ser parecida”. ¿Y el aforo? “Nunca nos hemos obsesionado con el número de visitantes. En la sala de arriba, el aforo era de 250 personas Lo dejamos en 83 personas. La sala de abajo tiene capacidad para 200 y se queda en 66. Creo que es suficiente. En la práctica, el centro sólo se llena 15 de agosto y el en Semana Santa”, dice Sainz de Miera. ¿Esperan que vaya gente, más allá de algún visitante solitario? “Iremos día a día. No descarto que haya público, entre otras cosas, porque tampoco hay tantas alternativas…”. Las inauguraciones y las actividades no expositivas también están condicionadas a ese ya veremos.

Este sábado, el Boletín Oficial del Estado dispuso las normas que tendrán que atender los centros de arte cuando vuelvan a abrir al público, medida condicionada a la entrada en la fase uno de los distintos territorios. De momento, los museos de las provincias menos afectadas por el coronavirus no tienen mucha prisa por reencontrarse con su público. En Sevilla, el Museo de Bellas Artes aún tiene que ajustarse a las medidas concretas dispuestas por el Gobierno. “Hemos trabajado durante estas semanas pero siempre hay pequeños cambios… De todas formas, lo que de verdad permitirá reabrir será la instrucción que dé la Secretaría de Estado de Administraciones Públicas sobre la reincorporación a sus puestos de los trabajadores del Estado“, explican fuentes del museo.

En Extremadura, el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida tampoco espera abrir hasta el 25 de mayo, que es la fecha prevista por la Dirección General de Bellas Artes para todos los museos nacionales. En Vizcaya, el Guggenheim lo deja para el 1 de junio. En Gran Canaria, el CAAM aún espera pista. Y así, por toda la España que sale del letargo.

¿Qué pasa con los territorios que aún están en fase cero? “Nosotros esperábamos abrir hoy pero, al final, no llegó la fase 1 a Valencia. Si podemos, abriremos el 18 de mayo, con el aforo reducido a 358 personas”, explican fuentes del IVAM. “En realidad, los domingos llenábamos, pero el resto del tiempo ese aforo es suficiente. Habrá bandejas en el suelo para desinfectar las suelas de los zapatos y una ratio de limpieza más frecuente. La cafetería es una concesión. Tiene terraza pero no creo que pueda abrir inmediatamente… En realidad, no esperamos que venga mucha gente los primeros días. Tendremos que ir aprendiendo poco a poco”.

Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano de Valladolid, está en la misma incertidumbre sobre fechas. Su previsión es abrir 25 de mayo, Perón todo es un poco opaco”. El Patio Herreriano ha diseñado una nueva circulación para sus visitantes, que entrarán por el ala sur en dirección al ala norte. “Podemos ordenar el flujo entre sala y sala. Dentro de la sala me parece menos realista pedirle a la gente que siga un itinerario definido, la verdad”.. ¿Esperan mucho público? “No lo sé. Creo que la gente será temerosa pero, ahora que se habla del turismo de proximidad, no es raro pensar que más gente pueda venir a Valladolid a ver exposiciones”.

El Mundo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Una avalancha de libros sobre la pandemia de Covid-19 copará el mercado

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“El fantasma del coronavirus recorre todas las editoriales. Su sombra, casi siempre alargada, amenaza con copar el mercado de las próximas novedades, bien a través de diarios o de ensayos (sobre todo). Pero también muchos de los 18 editores consultados confían en un repunte de las novelas, de la literatura como evasión. ¿Cuándo aparecerán? Pronto y más tarde, el tema no va a ser una tormenta de verano.

Buena parte de los editores consultados consideran que el ensayo será el género preferido por los futuros lectores para entender qué nos está ocurriendo. Así lo cree, por ejemplo, Ymelda Navajo (La Esfera de los Libros), quien espera que esta crisis sea una “fuente de inspiración y reflexión de filósofos, psicólogos y ensayistas”. También cree, y lo ve como “muy necesario”, que habrá “libros de investigación periodística de la actuación de nuestros responsables políticos”.

Habrá monografías de divulgación sobre la amenaza del virus y los detalles de su propagación, aventura Juan Cerezo (Tusquets). Incluso va más allá. Ve este terremoto “como un vierteaguas de nuestro tiempo. Hablaremos de un mundo d.C. (después del Coronavirus) distinto del de a.C. (antes del Coronavirus). La sociedad líquida, la sociedad sin riesgo, la del crecimiento infinito, se verá trastocada, y puede mutar en una sociedad más limitada y encerrada en sí misma, más egoísta y a la defensiva. O bien dar paso a un mundo con conciencia global, ecológica y colectiva”.

SIGUE LA FIEBRE POR EL ENSAYO

Pese a la proliferación de diarios estos días en periódicos y distintas páginas web, Miguel Aguilar (Taurus, Debate y Literaturas Random House) se muestra escéptico para que sean publicados en forma de libro: “Requiere mucho talento convertir un confinamiento en material literario de calidad, y más aún en material ameno”. De modo semejante lo ve Eva Serrano (Círculo de Tiza): duda de que la mayoría de los textos escritos “bajo un ‘shock’ postraumático y con prisas tenga interés”.” El Mundo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El festival ‘online’ alternativo de la Feria Literal

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“La resiliencia del pensamiento crítico y las ideas progresistas radicales es legendaria. Una nueva muestra de ello la proporciona ahora la Feria Literal: el encuentro de pensamiento y libros radicales de Barcelona tuvo que suspender, como todo este tipo de actividades a consecuencia de la pandemia del coronavirus, su ya sexta edición, prevista para el 23 y 24 de mayo en la sede de la antigua Fabra y Coats. Para paliarlo, y a la espera de que pueda celebrarse físicamente, los organizadores han decidido impulsar, junto a más de una sesentena de editoriales internacionales afines o que debían haber estado presentes en el área profesional de la feria, el festival online del libro del sector Radical May. Arrancará, cómo no, el 1 de Mayo, y con el carismático lingüista, politólogo y activista estadounidense Noam Chomsky como cabeza de cartel.

Mesas redondas y debates –siempre de acceso gratuito, en diferentes franjas horarias y diversos idiomas– conformarán una programación que se podrá seguir por la web de la Feria Literal, que se alargará todo mayo y que iniciará un encuentro de la profesora y periodista Susan Ferguson (autora de Mujeres y trabajo: feminismo, trabajo y reproducción social) con Tithi Bhattacharya (activista y feminista marxista), bajo el oportuno epígrafe La vida, el capitalismo y la pandemia: ideas feministas sobre el trabajo de las mujeres. El mismo día internacional de la clase trabajadora, Chomsky, autor de ¿Quién domina el mundo?, analizará las posibilidades de la Resistencia obrera a la crisis del capitalismo con su compatriota Erik Loomis, especialista en historia laboral y social.

Representación internacional

Hay unas 30 actividades ya previstas y la idea es que se vayan sumando actos a partir de las propuestas que vayan haciendo las editoriales”, confirmó ayer a este diario un portavoz de la Fira Literal, coorganizadora del festival virtual junto a algunas de las editoriales que se han unido al evento, como Verso Books; Haymarket; Pluto Press; Feminist Press; PM Press; AK Press o Momo Red Star Press, Greylock, Unrast Verlag, Verso Books, provenientes de una decena de países distintos, como Francia, Italia, Inglaterra, Estados Unidos, Canadá, Indonesia y diversos de América Latina. El combativo colectivo de escritores italianos Wu Ming, el economista y parlamentario griego del partido izquierdista Syriza Costas Lapavitsas y el historiador del antifascismo y activista de Occupy Wall Street, Mark Bray, estarán entre los participantes más reconocidos internacionalmente.

Los sellos Tigre de Paper y Bellaterra Edicions Raig Verd y la Librería Rocaguinarda son algunos de los representantes catalanes en un festival que pretende “situar el pensamiento crítico en el eje de las respuestas que todas y todos necesitamos durante el confinamiento”. La iniciativa se produce en un delicado momento del sector editorial en todo el mundo, quizá más grave si cabe para las editoriales de pensamiento crítico, siempre más minoritarias y con dificultades para su visualización: “Estamos viviendo un momento muy duro a nivel internacional, pero en estos momentos de incertidumbre es más necesario que nunca pensar y discutir las ideas que propiciarán la transformación profunda que necesitan nuestras sociedades”, apuntan los organizadores desde la Feria literal, cuya sexta edición está prevista para mediados de diciembre. Pura resiliencia.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

abril 2020:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Quiénes son los gigantes farmacéuticos en la carrera por encontrar la vacuna?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Desde que empezó 2020 se ha desatado una carrera contrarreloj para ver qué laboratorio farmacéutico es capaz de desarrollar vacunas que frenen la pandemia del coronavirus o fármacos que reduzcan su mortalidad.

Las grandes farmacéuticas mundiales, como Novartis, Roche, Pfizer, Astrazeneca, Johnson & Johnson, pugnan con firmas chinas o con nuevas compañías de biotecnología, como Gilead, para conseguir frenar la enfermedad y reducir los tiempos de confinamiento.

La capacidad para producir test efectivos que detecten qué personas tienen el Covid-19 también se ha vuelto fundamental.

En China, la firma CanSino Biologics trabaja con el ejército para desarrollar la vacuna, y ya están en la segunda fase de los ensayos clínicos. Las acciones de esta compañía han multiplicado casi por tres su valor en lo que va de año.

En la Bolsa de Shangai, firmas como Jiangsu Wuzhong Industrial o Shandong Lukang Pharma, también se han disparado en el ejercicio.


1. Gilead: la compañía del momento cotiza cara

Gilead es una de las grandes compañías mundiales de biotecnología. Con una capitalización cercana a los 100.000 millones de dólares, era una gran desconocida para el gran público hasta el estallido de la pandemia del coronavirus. Los buenos resultados obtenidos por su fármaco Remdesivir han hecho que Gilead salte a los titulares y que su cotización haya pasado de los 65 dólares de comienzos de año a marcar máximos en 83 dólares (+30%).

 “Hemos incorporado a nuestra cartera Gilead Science ya que pensamos que es una de las mejor posicionadas dentro del sector y que tiene probabilidades de conseguir una vacuna contra el coronavirus”, explican desde la firma Metagestión. Desde su fundación en 1987, Gilead se ha convertido en un referente en el desarrollo de medicamentos antirretrovirales para tratar pacientes infectados con VIH, hepatitis B o gripe. Cuenta con más de 11.000 empleados.

“La cuestión es que ahora Gilead se ha revalorizado demasiado rápido, y no sabemos si estará a la altura de las expectativas”, apunta Juan Martínez, de Abante Biotech.

El viernes, las acciones de la compañía se dispararon un 8% después de que se hiciera público un informe en que se desvelaba que un de sus fármacos está siendo muy efectivo en los pacientes con coronavirus. Las pruebas aún son muy preliminares.


2. Abbott: un laboratorio que seduce a los expertos

Stefan Blum es gestor de fondos en Bellevue AM, una prestigiosa boutique suiza. Desde hace una década lleva las riendas de un fondo de tecnologías médicas. La primera posición de su cartera es el laboratorio estadounidense Abbott. “Tenemos el máximo legal permitido invertido en esta firma, el 9,9%. Es un buen ejemplo de todas las virtudes del sector de servicios y tecnologías sanitarias, por su capacidad de innovación, por operar en mercados resilientes, por su amplia diversificación y por su sólido balance”, explica.

Abbott se ha visto afectada negativamente por el coronavirus, especialmente en sus ventas de detección de patologías cardiacas. Sin embargo, la firma ha sido capaz de desarrollar un test para detectar el Covid-19. “Estoy convencido de que el grupo va a salir reforzado de la crisis del coronavirus”, apunta el experto.

La compañía estadounidense tiene una capitalización bursátil de 170.000 millones de dólares, tras haberse revalorizado un 10%. Cuenta con 107.000 empleados y en 2019 facturó 32.000 millones de dólares.

De los 23 analistas que monitorizan la evolución de la firma, 18 recomiendan comprar. Tras las últimas subidas, Abbott estaría ya muy cerca de su precio objetivo, fijado de media en 98 dólares por acción.


3. Roche: nueva prueba para anticuerpos de Covid-19

La farmacéutica suiza Roche anunció el viernes que ha desarrollado una prueba de anticuerpos para el Covid-19 que calcula que podrá comenzar a vender a principios del próximo mes. Este avance agregará otra de las herramientas de diagnóstico que los expertos ven clave de cara a levantar las medidas de distanciamiento social en todo el mundo.

La compañía con sede en Basilea explicó que estará disponible en mayo en los países que aceptan la normativa europea y que, en breve, recibirá la autorización para utilizar los test en Estados Unidos.

Las acciones de la firma se dispararon cerca de un 2% el viernes, y ya cotizan por encima de los niveles de comienzos de año.

Roche es uno de los gigantes farmacéuticos mundiales. En 2019 facturó 57.300 millones de euros (+8%) y logró un beneficio de 13.146 millones de euros (+33%). El grupo tiene la patente sobre fármacos como el ansiolítico Valium, el antiviral Tamiflu y el antiacné Roaccutane.

De los 28 analistas que siguen este valor, 20 recomiendan aumentar posiciones. El precio objetivo que le otorgan de media es de 325 francos suizos, lo que le otorga un potencial de revalorización del 6,5% respecto al precio de los últimos días.


4. Translate Bio: a la búsqueda de una cura eficaz gracias a los genes

Esta compañía especializada en la expresión genética, el proceso mediante el cual la información del ADN se traduce en órdenes para que las células produzcan las proteínas fundamentales para la vida, también está desarrollando su propio tratamiento contra el virus. Usando su experiencia con el ARN mensajero, el elemento clave en la expresión genética, y colaborando con la firma francesa Sanofi, pretende crear su propio candidato de vacuna anti-Covid-19.

“A diferencia de cómo se hacen las vacunas tradicionales [meter partes del virus dentro del cuerpo para generar anticuerpos], esta genera anticuerpos de forma más rápida y eficaz”, explican desde Abante Biotech, firma que ha tomado una posición estratégica en Translate Bio (véase entrevista en la página siguiente).

Con todo, Translate Bio es una empresa de pequeño tamaño que, además, viene arrastrando problemas de rentabilidad. A cierre de 2019, los ingresos de la empresa fueron de 7,8 millones de dólares, mientras que los gastos se elevaron a 123,57 millones de dólares. Las pérdidas totales ascendieron a 115,76 millones, lo que supone un incremento en 11,53 millones de dólares frente al anterior ejercicio. Pese a los fuertes vaivenes en el precio de sus acciones, en lo que va de 2020 los títulos de Translate Bio se han revalorizado un 23%.


5. Akers Biosciences:  la firma que se disparó un 344% en dos sesiones

Akers Biosciences es la prueba de lo que puede llegar a provocar la locura inversora cuando una empresa anuncia un avance en el camino hacia la vacuna del Covid-19. En solo dos sesiones, sus acciones se dispararon un 344%. En concreto, Akers desveló que, junto a Premas Biotech, consiguió clonar con éxito todos los antígenos del coronavirus que fueron seleccionados como candidatos a la creación de una vacuna. Los antígenos son una sustancia que desencadena la formación de anticuerpos específicos y son claves a la hora de generar una posible respuesta inmunitaria.

Según se detalla en su último informe anual, Akers es una microempresa en la que las pérdidas económicas son una constante. “Hemos registrado pérdidas netas en la mayoría de los ejercicios desde nuestra creación. En 2019 fueron de 3,88 millones de dólares y de 10,84 millones de dólares en 2018. A 31 de diciembre de 2019, el déficit acumulado de Akers ascendía a 119,58 millones de dólares. Los ingresos de la empresa cayeron un 5% en 2019, hasta los 1,57 millones de dólares”, explican.

Respecto al futuro éxito de su proyecto de vacuna, Akers advertía en sus resultados de 2019 de que “no hay ninguna garantía de que la Administración Federal de Alimentos y Medicinas apruebe alguno de nuestros proyectos”. No obstante, este año ya acumula una subida del 30%.


6. Sanofi: posible vacuna para mitad de 2021

Con 100.000 empleados en más de 100 países y una capitalización de 104.000 millones de euros, la francesa Sanofi es uno de los titanes de la carrera por una vacuna. En su guerra contra la pandemia, se ha aliado con otras firmas. Sanofi produce hidroxicloroquina, un antiviral usado contra la malaria que, según han apuntado algunos limitados estudios clínicos independientes, podría llegar a tener eficacia a la hora de reducir la carga vírica del Covid-19. Sanofi recuerda en su web que su medicamento no ha sido indicado como una alternativa para combatir al virus por parte de ningún país y que, hoy por hoy, no hay suficientes evidencias clínicas como para sacar ninguna conclusión.

Más allá de este medicamento, Sanofi se afana en el desarrollo de una vacuna con la ayuda de otras organizaciones, como la ya mencionada Translate Bio o el también gigante británico GSK.

Según anunciaron Sanofi y GSK, ambas firmas esperan que su colaboración permita completar el desarrollo requerido para la disponibilidad de la vacuna para la segunda mitad de 2021. Advierten de que esto se lograría en el caso de que los ensayos clínicos vayan bien y obtengan el visto bueno de las autoridades. Desde enero, sus acciones caen un 8% en la Bolsa de París.


7. Pfizer: atacando al Covid-19 desde diferentes ángulos

Pfizer es otro de los gigantes de la industria farmacéutica. Su capitalización de mercado asciende a casi 200.000 millones de dólares. La compañía estadounidense ha anunciado avances en diferentes campos contra el Covid-19. Por un lado, ha desarrollado un compuesto que en ensayos preliminares se muestra efectivo como antiviral contra esta enfermedad. Tras los resultados, la empresa anunció que iniciará ensayos preclínicos y que para el tercer trimestre de este año espera comenzar los estudios clínicos.

En lo referente a una vacuna, Pfizer se alió recientemente con la alemana BioNTech. “La colaboración pretende avanzar rápidamente en el desarrollo y la prueba en humanos de múltiples candidatos para una vacuna del Covid-19 con el objetivo de proveer a nivel mundial una vacuna eficaz si tienen éxito”, explicaron en un comunicado conjunto.

Bajo los términos del acuerdo, Pfizer pagará a ­BioNTech 185 millones de dólares por adelantado, de los cuales 72 son en efectivo y 113 se entregan vía entrada en el accionariado de la germana. “BioNTech tiene la posibilidad de recibir en el futuro pagos por logros de hasta 563 millones de dólares”, especificaba Pfizer. En lo que va de ejercicio, las acciones de la estadounidense caen un 8%.


8. Novacyt: una clara ganadora bursátil de la pandemia

Novacyt también es una pequeña empresa a la que la crisis del Covid-19 ha catapultado en Bolsa. Sus acciones, que empezaron 2020 valiendo 0,17 euros, están a día de hoy en los 4,9 euros cada una, después de una revalorización del 2.782%. La espectacular escalada de Novacyt comenzó el pasado 31 de enero, cuando la compañía anunció el lanzamiento de un test molecular que sirve para diagnosticar el coronavirus. “El test de coronavirus tiene la habilidad de detectar exclusivamente la rama del virus de 2019, lo que, bajo nuestro punto de vista, lo hace único en comparación con otros test que son menos específicos y pueden dar falsos positivos”, señalaba la cotizada entonces.

El pasado 8 de abril, la Organización Mundial de la Salud calificó como apto el test creado por Novacyt. La empresa indicó que la OMS ha aprobado su uso durante un año, “salvo que las circunstancias dicten lo contrario”. Dos días antes, Novacyt ya obtuvo el visto bueno del Centro Nacional de Referencia sobre Virus de Infecciones Respiratorias del Instituto Pasteur, la institución de investigación biomédica de referencia en Francia. Según Novacyt, su test es estable a temperatura ambiente, lo que elimina la necesidad de mantener la cadena de frío y facilita su transporte y, por ende, su exportación.


9. Grifols: plasma anticoronavirus para pacientes ya curados

La cotizada española busca luchar contra el Covid-19 usando sus conocimientos y siguiendo un camino diferente al de otras empresas que se centran en el desarrollo de vacunas o antivirales. Su idea es usar el plasma sanguíneo de pacientes que hayan superado la enfermedad para proporcionar anticuerpos a los que todavía la estén atravesando.

La compañía de hemoderivados suscribió a finales de marzo un acuerdo con diversas instituciones estadounidenses y organismos federales de salud pública de Estados Unidos entre los que se encuentra la FDA, la autoridad sanitaria de ese país. El objetivo: impulsar el desarrollo de esta vía de tratamiento.

Grifols espera empezar a producir la llamada inmunoglobulina hiperinmune gracias al plasma que recibe de donantes en Estados Unidos para el mes de julio. No obstante, la empresa recalcó que todo dependerá de los ritmos que marque la FDA.

En España, Grifols está trabajando en un ensayo clínico con plasma inactivado por azul de metileno de pacientes recuperados, colaborando con determinados centros de donación y hospitales públicos ante la imposibilidad de establecer centros de donación de plasma propios. En lo que va de año, Grifols baja un 4% en el Ibex.”

El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Notre Dame un año después: ni culpables, ni suficiente dinero

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“El Quai d’Orleans de la isla de San Luis estaba a rebosar a las ocho de la tarde aquel lunes 15 de abril de 2019. Impresionaba el silencio de cientos de personas, hipnotizados por las llamas que acababan de devorar la flecha de Notre Dame. Sólo se oía algún “terrible, terrible”, musitado al móvil. De fondo, las sirenas de emergencia.

El Quai d’Orleans también está sumido en silencio en estas tardes del abril del virus. A esa hora ya se puede salir del confinamiento para hacer deporte. Los escasos peatones se evitan. Pero todos tienen una mirada para la catedral. Desde aquí se perciben con nitidez las cimbras de madera que apuntalan los arbotantes, las lonas que cubren el techo y la grúa gigante, una flecha apuntando al cielo. Abajo, en el jardincillo de Juan XXIII han florecido tilos y castaños.

La pluma ha levantado una estructura metálica para acceder al andamio que se fundió por el incendio. Obreros descolgados con cuerdas como alpinistas iban a entrar en acción el 23 de marzo. Debían serrar el amasijo de los 10.000 tubos del andamio de las obras en marcha cuando se desató el incendio y sacar los trozos evitando que se derrumbe el precario andamiaje. Debían terminar antes del verano. Al tiempo, se retirarían el escombro que aún se acumula en las bóvedas.

redactará entonces el informe definitivo sobre el estado del templo y se verá si la restauración propiamente dicha puede empezar en 2021. Las obras han sufrido retrasos por el viento que obliga a parar las obras si supera los 40 km/h y la contaminación por plomo. Tras desmontar el andamio se verá si hay que descontaminar dos capillas más. Y se instalará un ‘paraguas’ definitivo que cubra toda la catedral.

También será posible acceder al lugar donde comenzó el incendio, en el techo de la nave, llamado ‘el bosque’ por las vigas de madera que lo forman. La investigación preliminar de la Fiscalía descartó un acto terrorista o intencionado. Apuntaba dos causas accidentales como origen del fuego: colilla mal apagada o avería eléctrica en un ascensor de las obras. Tres jueces de instrucción deben cerrar el caso. Lo que sí puso de relieve la investigación son los fallos en el sistema de seguridad de la catedral. Un único empleado novato no supo interpretar el código de la alarma y se llamó tarde a los bomberos.

922 MILLONES DE EUROS DONADOS

El informe final permitirá trazar el plan de restauración y calcular plazos y presupuestos. El total de donaciones alcanza 922 millones de euros, de los que 188 han entrado ya en caja. El resto corresponde a promesas de donaciones, muchas formalizadas por convenio.

La repercusión mundial del incendio de Notre Dame, el protagonismo del edificio en libros y películas y sus 12 millones de visitantes al año desataron una ola de generosidad global. Los principales magnates de Francia, como Pinault y Arnault, han prometido cientos de millones. Instituciones gobernadas por la izquierda como el Ayuntamiento de París o por la derecha como la región parisina han dado decenas de millones. También muchos donantes anónimos, incluidos niños que mandaron unos pocos euros de su paga semanal. En total, más de 340.000 personas.

¿Será suficiente? “No. La gente que dice que sí no sabe qué es una restauración. Para que se hagan una idea, sólo los arbotantes costarán 150 millones. Superaremos los 1000 millones. No hay que desmovilizar a la gente diciendo que ya hay dinero” ha declarado Patrick Chauvet, rector y arcipreste de la catedral, a la agencia EFE.”

El Mundo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La ciudad que soñó una mujer

 

 

 

 

 

 

 

La mecenas Teresa Enríquez levantó a partir de 1503 la primera villa protorrenacentista de España, que el municipio toledano de Torrijos está recuperando de su abandono

“La muerte de su marido en 1503 la abocaba a ser recluida de por vida en un convento. Sus hijos esperaban el momento de recibir la enorme herencia que les correspondía. Pero Teresa Enríquez (1450-1529) -mecenas, coleccionista, impulsora de la medicina, culta, profundamente creyente, amiga de la reina Isabel, prima deFernando él Católico dijo no. Pleiteó contra sus vástagos y ganó. “Sufro el mal de madre”, se quejó su hijo Diego. La gran fortuna que poseía la dedicaría, a partir de entonces, a convertir en realidad su gran sueño: construir la primera villa protorrenacentista del reino, la Ciudad de Dios. La levantó sobre unas 25 hectáreas del actual casco urbano de Torrijos (hospitales, conventos, iglesias, palacios…). Todo siguiendo las técnicas arquitectónicas y sanitarias más modernas del momento. Hasta erigió el primer hospital higienista de España. Ahora, la consultora arqueológica Adema, de Arquitectura de Toledo, el Ayuntamiento de Torrijos, la Diputación de Toledo y el Gobierno de Castilla-La Mancha han comenzado la recuperación de la figura de esta mujer y de uno de sus grandes edificios, el hospital de la Santísima Trinidad. Acogía a caminantes, prostitutas o huérfanos, estos últimos la gran debilidad de Enríquez. Será visitable en unas semanas.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Munch y el arte del susto

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Los museos han cerrado sus puertas, pero la contemplación del arte sigue abierta. Cada día, recordamos la historia de una obra que visitamos a distancia. Hoy: ‘El grito”, del pintor noruego

“Hay declaraciones que truenan sin parar: “Ya no se deben pintar interiores con hombres leyendo y mujeres haciendo calceta. Debe tratarse de seres humanos vivos, que respiran, sienten, sufren y aman”. Lo escribió en sus diarios Edvard Munch, a finales del siglo XIX, mientras ponía negro sobre blanco el nacimiento del retrato del ser humano moderno. El pintor noruego huyó de las convenciones creativas, pero aceptó y animó la construcción del mito de pintor “atormentado y depresivo”. La leyenda fue reforzada por la fascinación ante sus múltiples fotos de sufrimiento existencia, que enfatizan su desequilibrio emocional y su aislamiento artístico. Las crónicas más recientes le siguen llamando “maldito y bendito loco”, para subrayar una faceta que ha eclipsado su propia obra. Cientos de cartas privadas dan fe de que estaba lejos de estar loco. “El artista ajustó su tono emocional en momentos precisos con el fin de lograr los resultados que deseaba”, cuenta Clarke de este personaje en construcción.

La Royal Academy of Arts de Londres y el Museo Munch de Oslo tenían previsto contar –en una exposición que tendría que inaugurarse el próximo noviembre– cómo Munch ha sido una inspiración constante en las habilidades artísticas de Emin. “Su madre murió cuando él era muy joven. Quiero darle una madre”, señaló la artista a The Guardian en la presentación de una monumental escultura de bronce de nueve metros de altura y 15 toneladas de peso que descansa a la entrada del museo de Oslo y representa a la madre ausente, con un hijo en sus brazos.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

marzo2020:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Un nuevo algoritmo permite identificar olores en tiempo real

 

 

 

 

 

 

 

 

Los investigadores buscan a crear un dispositivo que alerte de la presencia de elementos tóxicos, fugas de sustancias y calibre la calidad del aire

“El ser humano está viviendo con nuevos artefactos que aprenden por sí solos con un margen de progresión que parece no tener límite. Es lo que cuenta Eric Sadin en su libro La inteligencia artificial o la apuesta del siglo. El filósofo francés, especialista en la relación entre el ser humano y la tecnología, recuerda el papel de los algoritmos que permiten al dispositivo perfeccionar sus competencias humanas y multiplicar sus conocimientos, capa por capa, hasta alcanzar quizás la perfección.

Un nuevo estudio publicado en NML confirma el relato de Sadin: unos investigadores han creado un nuevo algoritmo para que una máquina aprenda e identifique olores en tiempo real pese a la presencia de otras sustancias. “Es posible que llegue a ser mejor que el ser humano cuando vayamos añadiendo más sensores y enseñándole más componentes. Haciendo cálculos la máquina es claramente superior a nosotros”, explica Thomas Cleland. Todo en el entorno tiene un componente químico y cada una de estas sustancias produce una secuencia espacio-temporal característica de pulsos eléctricos. Al dibujarse el circuito neuronal, lo mandan a la máquina y esta lo aprende un cuestión de segundos. Los investigadores han utilizado una base pública de datos de olores de distintos productos químicos que habían sido detectados con sensores.

Crear una máquina que huele tiene sentido. El objetivo de este proyecto es desarrollar un dispositivo estable, que no se cansa, capaz de identificar elementos tóxicos, fugas de sustancias y calibrar la calidad del aire, entre otras cosas. Los investigadores cuentan por ahora con 72 sensores para introducir, a partir del circuito neuronal de los mamíferos incluido el humano, la secuencia de cada olor distinto en el sistema. Estos resultados ayudan a comprender el olfato de los mamíferos y pueden servir a crear una nariz artificial capaz de reconocer olores específicos en medio de otros componentes que todavía no se hayan registrado.

Una nariz tiene unas 10 millones de células y el ser humano tira provecho de hasta 400 tipos de receptores en su sistema olfativo mientras que otros mamíferos como los caninos y ciertos roedores superan los 1.000, según los datos de Cleland. “Los ratones y los perros captan muchos más olores que el ser humano y combinar los receptores de cada animal en una sola máquina llegará a sobrepasar la capacidad humana”, añade el experto. Por ahora, la máquina comete errores el 5% del tiempo por culpa de la superposición de los componentes que hace díficil, a veces, reconocerlos individualmente. “Estamos trabajando en ello, en ampliar el circuito”, asegura Cleland.”

El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Encontrado un dinosaurio carnívoro más pequeño que un colibrí conservado en ámbar

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El Oculudentavis, hallado en un yacimiento de Myanmar, vivió hace casi cien millones de años en una región donde se han descubierto más de 1.000 nuevas especies conservadas en resina

“En lo que hoy es el norte de Myanmar se han encontrado minas de ámbar que han conservado un mundo perdido desde hace 99 millones de años. En aquel tiempo, infinidad de animales quedaron atrapados mucho antes de pudrirse en la resina que fluía de los árboles, conservando su anatomía con un grado de detalle excepcional. Según contaba un artículo de Science, solo en 2018 se publicaron los descubrimientos de 321 especies conservadas en ámbar de Birmania. En total se han encontrado más de 1.000.

En esta región del mundo se ha hallado también una criatura que se presenta en la revista Nature. Se trata de un cráneo diminuto de dinosaurio, el de menor tamaño conocido de toda la era Mesozoica, el tiempo de estos animales que se han hecho famosos por su tamaño descomunal. El Oculudentavis khaungraae, como se le ha bautizado, era parecido a un ave, pero tenía ojos similares a los de un lagarto, con rasgos que sugieren una pupila pequeña, algo que indica que estaba preparado para vivir durante el día.

Una segunda característica que destacan los autores, un equipo internacional de científicos de universidades chinas y norteamericanas, son los pequeños dientes del animal, un rasgo que ya no tienen las aves modernas, pero que comparten muchos de sus ancestros del Mesozoico. Sin embargo, según puntualiza en otro artículo de NatureRoger Benson, de la Universidad de Oxford, el Oculudentavis tenía más dientes que otras aves de su época y llegaban hasta la parte de atrás de su mandíbula, justo debajo del ojo. Esta disposición indica que el nuevo espécimen era un depredador que se alimentaría de pequeños invertebrados. Esta dieta hace diferente a esta especie de colibrí dinosaurio de otras pequeñas aves modernas, como el pájaro mosca, que con sus cinco centímetros y dos gramos de peso es el ave más pequeña que se conoce y se alimenta de néctar.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El español que se enfrentó a Bobby Fischer

 

 

 

 

 

 

Paco Cerdà glosa en ‘El peón’ el duelo que tuvo lugar en 1962 entre Arturo Pomar y el campeón mundial del ajedrez

“Los apasionantes perfiles de Bobby Fischer y Arturo Pomar, dos genios encumbrados por los Gobiernos de sus países, y abandonados después cuando necesitaban ayuda, encarnan bien las miserias y grandezas de Estados Unidos y España, respectivamente. Paco Cerdà toma como percha en la primera partida entre ambos ajedrecistas, en 1962, y sobre ella cuelga historias impactantes de otros peones tan desdichados como necesarios para el progreso del mundo.

Hasta los españoles analfabetos, que no eran pocos (un 25% en 1939), sabían quién era el niño prodigio Arturito Pomar (1931-2016), ensalzado sin mesura por el régimen del general Franco desde que, a los 12 años, hizo tablas con el campeón del mundo, Alexánder Aliojin, en el torneo de Gijón. Nadie dudaba de que tenía talento para llegar a ser una gran estrella del ajedrez, pero había nacido en la antítesis de un país apropiado.

Su momento crítico es precisamente el punto de partida de El peón: el Torneo Interzonal de Estocolmo 1962, antesala del Campeonato del Mundo. Ese Gobierno que tanto le lisonjeó también le obligó a pedir vacaciones no pagadas en la oficina de Correos donde trabajaba y a viajar solo, sin un entrenador que le ayudase a preparar partidas y analizar las aplazadas tras cinco horas de juego. Merodeó la ansiada séptima plaza clasificatoria durante las 18 primeras jornadas, pero falló al final, agotado, porque apenas dormía. Mucho más grave: cuando volvió de Estocolmo a Madrid comenzó a mostrar los primeros síntomas de una enfermedad mental que nunca lo abandonó.

Uno de los más impresionados por el gran talento del cartero español en Estocolmo fue Fischer (1943-2008), otro genio con mayúsculas, cuyo cociente de inteligencia era superior al de Einstein. Pero Fischer, utilizado por la Casa Blanca en la propaganda antisoviética durante la Guerra Fría —cuando destronó, en 1972, al campeón del mundo Borís Spasski— y tratado con saña por ese mismo Gobierno después, es además el ejemplo de lo que nunca debe hacerse con los niños de gran talento para lo que sea: permitir que se obsesionen con su pasión y no se eduquen integralmente como seres humanos.

Fischer terminó siendo un enfermo mental grave. El neurólogo islandés Kari Stefansson, que fue su amigo pocos años antes de que muriera, lo describe así: “Las personas normales pensamos casi siempre dentro de los límites de una caja, y solo a veces creamos algo excepcional desde fuera de la caja; los genios crean con frecuencia desde fuera, pero a veces no saben volver adentro; eso, que llamamos locura, es lo que le pasó a Fischer”.

Es muy improbable que un escritor o periodista no quede subyugado por los perfiles de Pomar y Fischer. Pero Cerdà fue más lejos: tras identificarlos como “peones de la historia”, localizó la primera partida entre ambos —terminó en tablas tras una lucha titánica de siete horas— en 1962. Y comprobó que es un año muy propicio para cosechar y glosar otros muchos peones de la historia, individuos cuyo “sacrificio individual explica las luchas colectivas”. El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Arco, un supermercado del arte para los museos y comisarios

 

 

 

 

 

Las instituciones españolas e internacionales también acuden a la feria con la misión de sumar nuevas obras a sus colecciones

“Son visitantes discretos, pero determinantes en la economía del arte. Los directores y conservadores de museos españoles e internacionales también circulan estos días por los pasillos de Arco. Se interesan por algunas obras, preguntan precios en los estands y anotan nombres en sus libretas. De esas listas surgen las obras que veremos, en el futuro, en las salas de los centros de arte. Por ejemplo, el Museo Reina Sofía cerró ayer la compra de 12 piezas de artistas como Cabello/Carceller, Sara Ramo, Victoria Gil, Daniela Ortiz o Ana Buenaventura, adquiridas en la feria por un valor total de 206.000 euros.

Igual que el museo madrileño, otras grandes instituciones del arte han acudido a la feria. El MoMA de Nueva York ha mandado a su conservadora de arte latinoamericano, la argentina Katzenstein. “Mi visita tiene una doble dimensión: participar en una discusión intelectual con otros comisarios y refrescar mi visión descubriendo artistas que no conocía”, señala. En el caso del museo neoyorquino, las compras nunca se producen de forma inmediata. “Apunto nombres en mi listado, pero es un proceso largo y muy consensuado. Nuestro comité de adquisiciones solo se reúne dos veces al año”, dice Katzenstein.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

febrero2020

 

 

 

 

 

 

 

 

Pulpos y alpargatas de Dalí para homenajear a Beethoven

 

 

 

 

 

 

 

Una obra de 1973, que nunca había salido del Teatre-Museu de Figueres, viaja a la ciudad alemana de Remagen para celebrar los 250 años del nacimiento del compositor

“Salvador Dalí pidió que sonara Tristán e Isolda de Richard Wagner para pasar de la vida a la muerte en enero de 1989. Era una música que conocía bien porque le había acompañado mientras pintaba muchas de las obras que creó en Portlligat, desde el amanecer hasta la puesta de sol. Le gustaba ponerla en su viejo tocadiscos y si alguien se quejaba de lo mal que sonaba, decía: “Es como si friéramos sardinas”. Pero el pintor surrealista también sintió atracción por otros compositores. Como Beethoven que admiraba desde que era un niño, tal y como escribió en su famosa La vida secreta de Salvador Dalí, cuya primera edición de 1942 ilustró con dibujos hechos con tinta negra. Uno de ellos es el de una enorme y tormentosa nube que representa “un cráneo plúmbico inmensurable y apoteósico” de la que salen unos rayos que iluminan el paisaje, fruto de una visión que tuvo de pequeño y que tituló Cráneo de Beethoven, un dibujo de apenas 20 centímetros que la Fundación Gala-Salvador Dalí compró en 2004.

Tres décadas después, en 1973, una de las pinturas que realizó para decorar su última gran obra, elTeatre Museu de Figueres, use una baza de Beethoven pintada frontalmente; una aguada realizada con una técnica muy especial: lanzando pulpos vivos sobre un enorme papel colocado sobre el suelo y aprovechando su huella y su tinta. “Pinto con pulpos y arrastrándolos con esa especie de tinta que echan, hice la cabeza precisamente de Beethoven”, explicó en una entrevista radiofónica, en la que añadió, con el sarcasmo y la ironía que le caracterizaba: “He pintado con arcabuces tirando al blanco, he pintado con ranitas pequeñas, con sapitos que cayeron también de una tempestad, he pintado con caracoles, he pintado con todo, incluso con pintura al óleo”.

Desde entonces, Cabeza de Beethoven, no se ha movido del lugar dónde Dalí lo colocó: bajo la enorme cúpula del teatro-museo, a la derecha de la tumba donde está enterrado, al lado de otras obras destacadas como son Torero alucinógeno (1970) y Retrato de Lincoln (1974). Hasta ahora, que, por primera vez, ha viajado (junto con el primer dibujo para La vida Secreta) hasta la ciudad alemana de Remagen, a solo 22 kilómetros de Bonn, la ciudad donde nació Beethoven hace 250 años, para participar en una exposición en la que se le rinde homenaje al compositor.

“Para nosotros es importante vincularnos a la celebración alemana e internacional del aniversario de Beethoven. Desde el insistido ARP Museum de Remagen han muchísimo; incluso han llegado cartas de recomendación para que aceptáramos prestarlo. El patronato, tras estudiarlo detenidamente, ha acordado que solo se preste durante algo más de un mes, dada la excepcionalidad del aniversario. Pero posiblemente no volverá a prestarse nunca más”, explica Montse Aguer, directora de los Museos Dalí, ante la obra de casi dos metros de altura, a punto de embalarse para salir de viaje rumbo a Alemania para la exposición que abre sus puertas este domingo.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Un recorrido por el Museo del Prado de flor en flor

 

 

 

 

 

El jardinero Eduardo Barba publica un libro sobre plantas plasmadas en 43 obras maestras de la pinacoteca

“Del Cristo muerto en el espectáculo de composición que es la tabla La crucifixión (1509-1519), de Juan de Flandes, él se fija, sin embargo, en las chirivitas, las pequeñas margaritas que crecen a los pies del crucificado. De La Anunciación (1425.26), una de las primeras obras maestras de Fra Angelico, a él le llaman la atención, siempre que la contempla, los frutos, las hojas y la corteza lisa de la higuera pintada a la derecha de unos avergonzados Adán y Eva pecadores. Este observador de detalles que pasan casi inadvertidos para los visitantes comunes del Museo del Prado es el “jardinero”, como a él le gusta definirse, Eduardo Barba Gómez, que ha trasladado sus conocimientos y pasión por las plantas y el arte a su primer libro, El jardín del Prado (Espasa), presentado este miércoles en el Botánico de Madrid.

Este volumen se anuncia como un paseo botánico por 43 obras de grandes maestros del arte escogidas por Barba. De ellas comenta tanto especies vegetales que pueden tener un papel residual en las piezas y ser meros adornos, o las que son protagonistas del óleo por lo que simbolizan. El acto de presentación, al que acudió la presidenta del Congreso de los Diputados, Meritxell Batet, fue un diálogo entre el autor y el escritor Antonio Muñoz Molina, que ejerció de padrino.

Barba, madrileño de 41 años, paisajista y profesor de jardinería, lleva años visitando el Prado para descubrir, como si fuera un detective, todas las plantas de sus obras, aunque sean un detalle en una esquina. Hace poco menos de un año catalogó las 1.050 piezas, entre cuadros, esculturas y artes decorativas, en las que había alguna especie representada, una tarea paciente y titánica en la que recogía si esa flor era común o rara, sus características, si encerraba alguna simbología… De aquel trabajo, llegó la propuesta para este libro, en el que recuerda cómo comenzó su afición por la jardinería: “Fue gracias a mi madre, que recogía de la calle plantas tiradas y las llevaba a casa”.

Así, El jardín del Prado no es solo una fuente de conocimiento sobre botánica y arte, “es también un cuaderno de viaje por las salas de la pinacoteca, en el que están mis impresiones sobre lo que veía y recuerdos de la infancia, de estancias en otros países y museos”, explicó Barba.

Es un trabajo que une las ciencias y el arte, que han estado absurdamente separadas”, apuntó Muñoz Molina. El escritor añadió que “mirar el arte te enseña a mirar la vida de otra manera” y enlazó su reflexión con una cita de Carlos Linneo, el naturalista que clasificó a los seres vivos, que reproduce Barba en su libro: “Aquello que no recibe nombre no puede ser conocido”.

Preguntado por Muñoz Molina por los artistas que más fascinación le siguen produciendo a Barba en el Prado por el amor y detalle que ponen al pintar flores o plantas, este respondió: “Los paisajes de Claudio de Lorena, Patinir y, cómo no, El Bosco y su Jardín de las Delicias, que cada vez que lo miro parece que fuera la primera vez”. A esta obra es a la que dedica más espacio por la cantidad de especies que alberga y porque el artista “creó quimeras vegetales, en las que mezcla trozos de distintas plantas para crear una sola”.

Al pasar las páginas del libro se descubre, por ejemplo, que la rosa es la flor que mayor número de veces aparece en el Prado. “Resplandece en multitud de situaciones distintas”, explica Barba, “floreros, guirnaldas, coronas, en el pecho de personajes, en patios, jardines…”, o como en el caso del retrato de María Tudor, de Antonio Moro, aparece en la mano derecha de la reina de Inglaterra y segunda mujer de Felipe II. Pero para su libro, Barba también ha querido que tenga una finalidad práctica: “Todas las plantas seleccionadas pueden cultivarse y crecer en un balcón de nuestras casas”.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Airbnb restringe las reservaciones de alojamientos enteros a menores de 25 años en Canadá

 

 

 

 

 

La compañía lanza el proyecto piloto tras un tiroteo que dejó tres muertos en una fiesta no autorizada dentro de una propiedad en Toronto

“Airbnb, la plataforma de internet que ha revolucionado en pocos años la forma de buscar y ofrecer alojamiento, pondrá en marcha la próxima semana un proyecto piloto en Canadá: las personas menores de 25 años no podrán reservar inmuebles completos en zonas cercanas a sus lugares de residencia. La única excepción será para jóvenes que hayan hecho al menos tres reservaciones y que cuenten con evaluaciones positivas. La medida surge a raíz de un tiroteo en Toronto, el pasado 31 de enero, donde tres personas murieron en una fiesta organizada dentro de un piso alquilado a través de la compañía.

Chris Lehane, vicepresidente de políticas y comunicaciones internacionales de Airbnb, hizo el anuncio esta semana en la ciudad de Ontario, manifestando en una rueda de prensa que la compañía considera que es hora de tomar acciones y observar lo que indican los datos. “Para nosotros, es increíblemente importante que asumamos la responsabilidad y hagamos todo lo posible para asegurarnos de que las personas se comporten de manera adecuada y segura”, expresó. Canadá es el primer país donde la firma californiana pone en marcha un proyecto de esta índole, dejando abierta la posibilidad de implementarlo en otros más.

Lehane informó de igual forma que la compañía ofrecerá una línea de comunicación para que los vecinos puedan reportar sobre posibles conflictos en propiedades alquiladas. Asimismo, hizo público que Airbnb donará 300.000 dólares canadienses (unos 225.000 dólares) en los próximos tres años a una asociación de médicos que realiza campañas de sensibilización sobre la violencia propagada por las armas de fuego.

Cabe señalar que Toronto es una de las urbes de Canadá más afectadas por este problema. Ejemplo de ello fue la muerte de los tres jóvenes menores de 22 años el 31 de enero en un piso alquilado a través de Airbnb, donde hubo la fiesta no autorizada. La policía ya había investigado un tiroteo en el mismo edificio pocos días atrás. El 8 de enero, un canadiense de 18 años fue asesinado con una pistola dentro de una propiedad alquilada por medio de la plataforma en Ottawa, la capital del país.”

El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Científicos españoles abren nuevas vías de tratamiento contra los tumores cerebrales más agresivos

 

 

 

 

 

 

 

 

“Hay una conexión entre las enfermedades neurodegenerativas y los gliomas, los tumores cerebrales más agresivos. Y esta relación podría ser positiva para los pacientes afectados por el cáncer cerebral. Científicos españoles han descubierto que la proteína TAU, que tradicionalmente se ha relacionado con patologías como el Alzheimer, está presente en las células de los gliomas y ejerce un cierto efecto protector.

En dichos tumores, TAU estaría regulando la capacidad que tienen las células tumorales para promover la formación de nuevos vasos sanguíneos, que son fundamentales para este tipo de cáncer. Según han comprobado científicos del Instituto de Salud Carlos III, la Asociación de Lucha contra el Cáncer, el CIBERNED, el Centro de Biología Molecular del CSIC y el Hospital 12 de Octubre, existe una correlación inversa entre la presencia de TAU en los tumores y la cantidad de vasos aberrantes en dicha tumoración.

Estos vasos sanguíneos tumorales son diferentes de los vasos normales en el cerebro y son fundamentales para proveer de nutrientes a las células del glioma, favoreciendo un crecimiento más agresivo de los mismos. Pero, cuando TAU está presente en mayor medida, su capacidad de proliferar se ve mermada.

Estos datos, señalan los investigadores, muestran que TAU podría servir como un marcador de buen pronóstico para los pacientes. Pero, además, abren una nueva e interesante vía terapéutica, ya que la función de la proteína TAU en los gliomas se puede imitar con compuestos derivados del taxol, que ya se utilizan como agentes antitumorales en otros tipos de cáncer y pueden mejorar los efectos de la quimioterapia convencional en los gliomas.

Por otro lado, el trabajo también podría tener importantes implicaciones para caracterizar nuevas funciones de la proteína TAU en patologías degenerativas, donde ya existen evidencias de la relevancia que podría tener la vasculatura cerebral de los pacientes en la evolución de la enfermedad.

Además, la investigación permite conocer mejor los gliomas, que suponen el 2% de los tumores cerebrales primarios y que son los causantes del 7 % de las muertes por cáncer. Estos tumores deben su nombre a su similitud con las células de glía, que están presentes en el sistema nervioso central y que dan soporte a las neuronas. Este tipo de cáncer representa alrededor del 60 % de las neoplasias cerebrales y se clasifican según su grado de malignidad. Los pacientes que son diagnosticados con los gliomas más agresivos tienen un índice de supervivencia muy bajo, de en torno a 15 meses. La investigación abre una nueva vía para la búsqueda de tratamientos que pudieran ser utilizados para controlar esta patología, la más agresiva dentro de los tumores cerebrales.” El Mundo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Enero2020

 

 

 

 

 

 

 

 

Escritores y libreros se alían por un mercado más transparente

 

 

 

 

 

 

 

Asociaciones de autores y librerías ultiman un convenio para compartir información de ejemplares vendidos y mejorar el sistema de liquidación de los derechos

“La desconfianza entre autor y editor por las ventas de los libros no es nueva, pero la obligación de concretar la “trazabilidad” de las ventas de los libros, sí. Es una exigencia impuesta en la última reforma de la Ley de Propiedad Intelectual, en el artículo 177, que el pasado marzo incorporó la directiva del Parlamento Europeo para facturar con claridad los beneficios de los derechos de autor. Carlos Muñoz, abogado de la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE) explica que la norma reconoce muchos derechos a los creadores, “pero no pone los mecanismos para defenderlos”. Su asociación, que reúne a unos 2.000 autores, recibe más de un centenar de quejas anuales sobre la falta de transparencia en la liquidación de los derechos. Muchas podrían acabar en los tribunales, pero, afirma Muñoz, “los escritores no suelen tener el dinero para llevar ante el juez a una editorial”.

Para corregir esta desconfianza, ACE esta a punto de cerrar, tras dos años de negociación, un convenio con la Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libros ( cEGAL), que agrupa a 1.400 librerías de fondo, mediante el que se comprometen a facilitar el número exacto de ejemplares vendidos en el mismo momento en que se reclame. Portales de venta online como Amazon quedarían fuera de ese pacto. Manuel Rico, poeta, novelista, crítico y presidente de ACE, dice que así atenderán a una demanda histórica de los autores, que “denuncian que algunas editoriales incumplen la ley, tanto en materia contractual como en materia de retribución económica. Hoy todo el mundo lucha por la transparencia, queremos saber la evolución real de las ventas y garantizar nuestros derechos”. Rico aclara que sobre todo son los sellos “pequeños y no tanto los grandes grupos” los que generan quejas. Jorge Corrales, director general de CEDRO, entidad de gestión de derechos de autor de los escritores, confirma que también está trabajando por cerrar un convenio similar con los libreros, que acarrearía un “beneficio para todo el sector”.

Para conocer los datos de venta (que son secretos y las editoriales muestran u ocultan a menudo como una herramienta promocional que es difícil de contrastar), las grandes editoriales pagan los servicios de GfK, empresa de investigación de mercados que proporciona cifras de grandes cadenas, almacenes, supermercados y algunas librerías independientes y que ha ido sustituyendo a Nielsen, que era la consultora más utilizada antes. Los autores no pueden conocer sus cifras exactas hasta la liquidación a año vencido, cuando reciben esa información de sus editores. La suscripción a esta herramienta es muy cara y depende del tamaño de la empresa (aunque esa cifra también es confidencial), y está fuera del alcance no ya de los escritores, sino también de los sellos de la parte baja de la tabla.

De ahí que los escritores acudan ahora a los libreros. Javier López Yáñez, director técnico de CEGAL, se muestra dispuesto a “compartir la información”. “Nuestros datos clarificarán discrepancias. Desde hace años los aportamos en casos de conflictos legales. Ahora estamos ultimando la herramienta para construir un sistema más transparente”. El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El espía de los Medici sale a la luz 500 años después

 

 

 

 

 

 

Un estudio desvela la verdadera identidad del agente que pasó información de la corte de Fernando el Católico

“Kim Philby o Juan Pujol son algunos de los espías más famosos de la historia y se les tiene, en teoría, por los mejores. Pero, evidentemente, los mejores son aquellos cuyo nombre se desconoce. Lo contrario de lo que le pasó al cartógrafo Juan Vespucci en el siglo XVI, considerado hasta ahora agente secreto de la poderosa familia Médici en la Casa de Contratación de Sevilla, el establecimiento real que controlaba el tránsito de expediciones a América. Pero este Juan Vespucci (ha descubierto Luis A. Robles Macías, de la Universidad Libre de Bruselas) ni era espía, ni vigilaba el comercio con el Nuevo Mundo. El auténtico infiltrado era su primo, que se llamaba igual que él y lo que espiaba era la corte de Fernando el Católico, los movimientos de sus tropas, la flota del Mediterráneo y las alianzas en Europa: lo que le interesaba en realidad al clan Medici.

En 1988, la historiadora del CSIC Consuelo Varela convirtió erróneamente a Juan Vespucci en espía al creer que tres cartas encriptadas que encontró en el Archivo del Estado de Florencia eran obra suya, ya que estaban firmadas por un tal Giovanni Vespucci y dirigidas a Lorenzo II de Médici. Desde entonces, el dato se ha repetido en numerosas publicaciones y hasta se ha creído que Juan perdió su empleo oficial porque la Corona también pensaba que era un agente. “Yo estaba investigando sobre Colón y los florentinos cuando me encontré las tres cartas. Pensé que eran de Juan. Me equivoqué”, admite Varela.

En el artículo No, mapmaker Juan Vespucci was not a Medici spy (no, el cartógrafo Juan Vespucci no era espía de los Medici), extraído de la tesis doctoral de Luis A. Robles, se explica que el inocente Juan Vespucci (nacido Giovanni di Antonio) era un cartógrafo, navegante y mercader sobrino del famoso Américo Vespucio. Juan trabajó como piloto de la Casa de Contratación entre 1512 y 1525, año en que fue despedido. Se ignoran las razones.

Para refutar la tesis de que Juan era el confidente, Robles revisó, no tres, sino las 12 cartas que se guardan en Florencia con su supuesta firma. En una de ellas, fechada en Roma el 13 de diciembre de 1513, el informador anunciaba que tenía previsto viajar en breve a España con el nuncio papal Galeazzo Bottrigari. Esta afirmación no la pudo hacer nunca Juan porque en esas fechas ya estaba en Sevilla.

El 11 de abril de 1514, Juan Vespucci embarcó hacia Panamá. Sin embargo, el espía envió uno de sus informes desde Madrid en mayo de ese año. En otra misiva, firmada el 17 de septiembre de 1515, el agente pide un favor para un pariente a quien llama “hijo de Antonio Vespucci”. Antonio era el padre de Juan, lo que significa que Juan no pudo ser tampoco el autor de esta petición porque tendría que haberse referido a la persona para quien pedía la prebenda como “mi hermano”. Además, la letra de las cartas florentinas “difiere notablemente” de la grafía que se conserva de Juan en los archivos de Sevilla.

Pero ¿quién era entonces el espía? Robles estudió el árbol genealógico de los Vespucci en torno a 1515. Ahí encontró cuatro hombres llamados Giovanni. Además de Juan, halló a Giovanni di Guidantonio, hijo de un famoso diplomático; a Giovanni di Bernardo, primo segundo del anterior; y Giovanni di Bartolomeo.

La investigación se centró pronto en Giovanni di Guidantonio Vespucci, porque había trabajado como diplomático para Giuliano de Médici, hermano del papa León X y tío de Lorenzo. Por tanto, tenía contacto directo con la poderosa familia. Además, en enero de 1514 acompañó a España al nuncio Bottrigari, como avanzaba el informe secreto firmado el 13 de diciembre. Todo cuadraba. Por otra parte, el embajador florentino en España era Giovanni Corsi, que tenía un secretario llamado Agostino Nettucci, que era el preceptor de Giovanni di Guidantonio. Es decir, el autor de los informes siempre estaba donde señalaban las cartas y tenía acceso preferente a la embajada y a los Médici.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

México devuelve 37 piezas arqueológicas a Perú

 

 

 

 

 

 

 

La entrega comprende piezas de arte que datan desde el año 200 hasta el período virreinal del país andino

““Es algo que les demandamos constantemente a Europa y Estados Unidos, pero aquí lo estamos haciendo”, ha dicho el canciller mexicano, este martes por la tarde durante la entrega de 37 piezas arqueológicas a su par peruano, Gustavo Meza-Cuadra. Los objetos, que comprenden diversos períodos históricos desde el año 200 hasta bien entrada la colonia española, fueron devueltos a Peru tras varios análisis realizados por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México sobre piezas decomisadas y entregadas voluntariamente a las autoridades del país norteamericano.

La entrega se realizó en el marco de una reunión entre ambos cancilleres, destinada a estrechar sus relaciones bilaterales, y casualmente coincidió con el anuncio de una nueva venta de arte precolombino mexicano de la casa de subastas francesa Millon, programada para el próximo 22 de enero. México mantiene una larga disputa con Francia por la venta de arte precolombino, batalla que tuvo su epítome entre septiembre y octubre del año pasado cuando la casa Sotheby’s puso a la venta 200 piezas de arte en una subasta realizada en París.

Pero con Perú la historia es otra. La repatriación tiene origen en un tratado firmado entre ambos países en 2002 con el objetivo de restituir artefactos patrimoniales que hay en sido importados ilegalmente. En 2017, México ya había entregado a Perú otras 168 piezas recuperadas durante un período de seis años.

La colección entregada al país andino durante una ceremonia en la Secretaria de Relaciones Exteriores mexicana comprende vasijas, jarrones y figurillas que son evidencia de arte precolombino de las culturas Chimú, Lambayeque, Recuay y Chancay, al igual que otras del período incaico y dos piezas de madera del período virreinal. Para Diego Prieto, director general del INAH, y encargado de la presentación de las piezas, la entrega responde “al compromiso que tiene México con el cuidado y recuperación de su patrimonio y con otras naciones para que puedan recuperar el suyo”. El País

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El guardián de Chiribiquete cambia de estrategia

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El antropólogo Carlos Castaño-Uribe presenta la mayor investigación sobre el parque natural más grande de Colombia, un mundo perdido salpicado por milenarias pinturas rupestres

“Con sus tepuyes tapizados de selva y salpicados por miles de pinturas rupestres, Chiribiquete se mantuvo durante siglos aislado, a salvo de la voraz deforestación que hoy lo asedia. Así, como un secreto bien guardado, también intentó preservarlo por décadas Carlos Castaño-Uribe, el antropólogo que ha dedicado su vida a investigar y proteger el mayor parque natural de Colombia, declarado el año pasado patrimonio cultural y natural de la humanidad. Pero Chiribiquete ya no es ningún secreto. Su guardián –que le huye a la etiqueta de “descubridor”– ahora se esmera en que los colombianos, sin visitarlo, reconozcan el inmenso valor de este paraje en el corazón de la Amazonía.

“Más que en la ciencia, porque no tenemos el tiempo, o en las instituciones, la mayor fortaleza para proteger Chiribiquete está hoy en la opinión pública”, afirma Castaño-Uribe, entusiasmado, sobre Chiribiquete, la Maloka cósmica de los hombres jaguar, el mayor estudio sobre este parque natural único en el planeta que acaba de publicar. Las ganancias del libro, ilustrado con centenares de imágenes, irán enteramente a su cuidado. Con el apoyo de Sura, se entregó a la tarea de escribir sobre un lugar donde habitan 500 especies de aves, 60 de reptiles y otras tantas de anfibios, murciélagos, mariposas y, por supuesto, el jaguar. Muchas de esas especies, con el emblemático felino en un lugar privilegiado, están representadas en los milenarios diseños que cubren las paredes de roca. “Aquí están cifrados algunos elementos que van a permitir afianzar la idea de una nacionalidad”, sostiene categórico. “En buena parte del Neotrópico, que es mi teoría, tenemos un sustrato común que está muy ligado a todo este lenguaje codificado”. Hace más de 30 años, como director de los parques naturales de Colombia, Castaño-Uribe se proponía visitar Amacayacu, en el extremo sur del país. Cuando salían de San José del Guaviare en una avioneta muy pequeña, los sorprendió una enorme tormenta que los obligó a desviarse. Fue entonces cuando apareció en el horizonte una majestuosa serranía, desconocida hasta entonces. Ante sus ojos se elevaban, en medio de la selva, los imponentes tepuyes, mesetas abruptas características del escudo guayanés. “Era un mundo perdido, en la dimensión absoluta de su palabra. Lo recuerdo como si fuera hoy con enorme intensidad”, rememora en diálogo con EL PAÍS. Cuando repasa la fortuna de encontrarse de frente con ese lugar, y todo lo que ha ocurrido desde entonces, aún se sorprende. Por momentos, asume un tono casi místico. “No he dejado de pensar que quizá no fue tan fortuito que yo pudiera llegar a este sitio. Me cuesta mucho trabajo como científico entrar en esta esfera de lo que no puedo explicar, pero Chiribiquete da para eso y mucho más”.

Enclavado entre los departamentos de Caquetá y Guaviare, su singular cadena montañosa surge en medio de la planicie amazónica, la región más biodiversa del mundo. Es un paraje aislado, remoto, inexpugnable durante las largas décadas de conflicto armado que Colombia quiere dejar atrás. “Era el gran anhelo para cualquier servicio de parques nacionales, tener un área en ese estado de conservación como estaba Chiribiquete, intacto y totalmente desconocido”, rememora con brillo en los ojos.

Tras un par de años de sobrevuelos exploratorios, fue declarado parque natural en 1989, pero solo hasta 1990 pudo organizar una primera expedición. Con su equipo, se lanzaron desde un helicóptero al río Ajajú en un bote inflable, y desde allí divisó con sus binóculos un manchón rojo en una roca muy distante que le llamó la atención. Caminó durante horas en medio de la selva y escaló cientos de metros para toparse con la pintura de dos jaguares mirándose de frente. Bautizó esa pared de unos 120 metros, con más de cinco mil pinturas que pasaron el resto del día contemplando, como el Abrigo de los Jaguares. El primero de los 65 encontrados en las ocho expediciones formales que se han organizado hasta hoy.” El País

 

 

 

 

 

 

 

 

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